Россия (СССР)
Российский артист балета, балетный педагог, балетмейстер. Племянница - М.М. Плисецкая.
«Заниматься классическим танцем я начал только в шестнадцать лет.
Не следует, однако, заимствовать подобный пример.
Начинать учиться классическому танцу надо в раннем детстве, иначе придётся не только преодолевать обычные сложности, стоящие перед будущим артистом балета, но и (как это привелось мне) столкнуться с удесятеренными трудностями на пути к обретению техники.
Итак, я начал в шестнадцать. И притом совершенно случайно. Увлекаясь спортом - лёгкой атлетикой, гимнастикой, футболом, я знал, конечно, о существовании балета, но совершенно им не интересовался. Но однажды я увидел «Коппелию». Танцевали А. Балашова и Л. Жуков.
Сказать, что мне понравился спектакль и исполнители главных ролей, - значит сказать очень мало.
Меня просто неудержимо потянуло к тому, что я увидел. Мне не приходило в голову, что я опоздал посвятить себя балету, хотя об этом с откровенной и жестокой прямотой мне сказали в хореографическом училище Большого театра, куда я пришел вскоре после поразившей меня «Коппелии».
- Как поступить к вам учиться?
- А сколько тебе лет?
- Шестнадцать.
- Но в шестнадцать у нас кончают учиться, а не начинают.
- А как же быть? Я решил научиться танцевать во что бы то ни стало.
- Попробуй поступить в какую-нибудь частную студию ...»
Мессерер А.М., Уроки классического танца, М., «Искусство», 1967 г., с. 8.
«В классах Горского и Тихомирова я усваивал различные «секреты мастерства», разные, но одинаково важные приёмы овладения профессиональными знаниями. До мастерства было, разумеется, очень далеко, но каждый день приносил нечто новое. Всё, что узнавал утром, я ещё много раз повторял вечером один, в пустом классе.
То, что я усвоил, продумал, осознал, мне хотелось проверить на других».
Мессерер А.М., Уроки классического танца, М., «Искусство», 1967 г., с.13-14.
До 1954 года Асаф Мессерер был ведущим солистом Большого театра. Был известен тем, что постоянно увеличивал сложность балетных движений.
«Его пребывание в воздухе было таинственно, волшебно. Это видели многие зрители, это видели Шаляпин и Собинов - он совпал с ними на великой сцене, это видели Мейерхольд и Михоэлс - он совпал с ними в трагическом времени».
Ахмадулина Б.А., Памяти Великого Артиста / Миг бытия, М., «Аграф», 1997 г., с. 199.
Позже Асаф Мессерер начал вести класс ведущих танцовщиков и балерин Большого театра.
«… я постоянно искал для каждой из них свои штрихи, свою окраску.
Приходилось много работать не только на репетициях, где отшлифовывалась каждая деталь танца, но и в классе, пересматривать привычные технические приёмы исполнения движений, раскрывать их новые качества, соразмерять пригодность их для той или иной хореографической композиции, находить ту эмоциональную окраску движений, которая способствует выразительности танца, делает его ярким, характеризует его особыми отличительными свойствами и чертами.
Многое я находил. Но не всегда найденное было удачным. Например, желая отобразить в некоторых вариациях, построенных на больших прыжках, динамику взлёта, я предварительно пробовал в классе форсировать силу прыжка, добиваясь ещё большей его высоты и протяжённости. Переносил достигнутое на сцену.
И оказывалось, что при задуманной форме прыжков не хватало одинаковой интенсивности для исполнения всего номера, - развитие танца шло не на усиление, а на спад.
Я пришёл к твёрдому убеждению, что подлинно профессиональное исполнение любого танца требует обязательной экономии сил и правильного их распределения.
Этому же я стал учить и своих учеников, ибо заметил, что молодым артистам свойственно желание поразить публику (или своих товарищей по классу) в начале танца, не задумываясь над тем, из какого «запаса» они будут черпать силы, скажем, для заключительного пируэта. А ведь если танец исполнен отлично, но его финал - самая последняя «точка» - окажется смазанным, то теряется всё впечатление, и публика справедливо не простит того, что исполнитель не смог выполнить свой танец с необходимой экспрессией к его завершению.
Чтобы достичь такого танцевального crescendo, необходимо научиться правильно использовать связующие движения для отдыха, для того, чтобы «набрать дыхание» и подойти к очередному сильному, сложному и эффектному па. Однако делать это надо отнюдь не снижая внимания к качеству их исполнения. Зритель должен видеть безупречную танцевальную кантилену всего хореографического рисунка, видеть танец «единый и неделимый» во всей его прелести.
Для развития большей свободы, гармоничности танца я считал необходимым научиться самому и научить своих учеников выполнять любое движение совершенно одинаково как в правую, так и в левую сторону.
Ещё одно положение открылось мне в процессе работы на сцене: никогда не надо стремиться к введению наиболее удающихся тебе движений во все исполняемые вариации.
Соблазн этот велик, особенно для начинающих артистов, но подобная практика обедняет исполнительское мастерство и образность танца. Ведь то, что хорошо для Колена, вряд ли годится для танцевальной характеристики Зигфрида, а то, что хорошо для Базиля, плохо для Дезире, даже если думать, что всех их роднит классический танец. Но классический танец сказочно богат! И он всегда должен выглядеть разным, чтобы герои балетов отличались друг от друга не костюмом, а танцем, точнее образ был выражен в яркой неповторимой хореографической форме.
Так, шаг за шагом постигал я сложные законы балетного искусства. И если в начале моей педагогической работы почти всё внимание сосредоточивалось на уяснении методологии движений, то впоследствии я начал ставить перед собой куда более сложные задачи. Я стремился в своих классах добиваться не только постоянного и неукоснительного совершенствования техники, обогащения её, но и развития безупречной выразительности, артистичности, художественности исполнения классического танца.
Я понял, что в ведении класса артистов балета нужна определённая система, что каждый урок должен иметь свою целевую задачу, свою тему, своё лейтдвижение».
Мессерер А.М., Уроки классического танца, М., «Искусство», 1967 г., с. 17-18.
Асаф Мессерер в 1960-х годах работал в труппе Мориса Бежара в Брюсселе.
«Законы искусства классического танца, пластическая гармония и красота его форм, образное воплощение балетных произведений познаются и достигаются большим и систематическим трудом. Именно такой труд чеканит по-настоящему профессиональную технику балерины и танцовщика, обогащает и совершенствует их художественное мастерство. Артист балета должен заниматься ежедневно. Иначе он не только не разовьёт свои природные данные и профессиональные навыки, но утратит и то, чем он обладал поначалу, пройдя многолетнее обучение в хореографическом училище, - форму, технику движения, эластичность и гибкость, потеряет, в сущности, способность танцевать. […] В свете этого, в данной книге я делюсь своими знаниями, собственным опытом ведения классов артистов балета. Метод, которым я пользуюсь, складывался в течение многих лет моей педагогической и сценической работы. Начав преподавать почти одновременно с вступлением в труппу Большого театра - в начале двадцатых годов, - я всё время согласовывал свои педагогические приёмы с тем, что мне подсказывала сцена. Исполняя различные партии в спектаклях Большого театра, занимаясь под руководством таких выдающихся педагогов, как А. Горский, В. Тихомиров и позднее В. Семёнов, начав самостоятельно преподавать и ставить танцы, я накапливал необходимые знания для своей дальнейшей педагогической работы».
Мессерер А.М., Уроки классического танца, СПб, «Лань», 2004 г., с. 10 и 12.
Регистрация на конференц
Страница конференции во ВКонтакте: 
